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Jack Pepper est l’un des plus jeunes présentateurs de radio nationale au Royaume-Uni. À 19 ans, il a participé à la création de Scala Radio, la toute nouvelle station de radio classique nationale du Royaume-Uni, et en est devenu le présentateur. Jack rejoint une équipe qui comprend certains des présentateurs les plus appréciés du Royaume-Uni, notamment Simon Mayo, Angellica Bell et Mark Kermode. Pendant cinq ans, son émission hebdomadaire du samedi, Jack Pepper’s Culture Bunker, s’est intéressée aux coulisses de la musique. Parmi ses invités figuraient certaines des plus grandes stars du monde artistique. Jack est également un compositeur à succès.
Ayanna Witter-Johnson is a multi-talented singer, songwriter, pianist and cellist. She has a phenomenal mastery for seamlessly crossing the boundaries of classical, jazz, reggae, soul and R&B, to imprint her unique musical signature with her virtuosic tap, strum and bow with her cello into her sound and vibe.
“As a second-generation Jamaican born in Britain, my music is a body of work that represents, celebrates and pays homage to my ancestral heritage, culture and identity,” explains Ayanna.
An acclaimed and celebrated performer, Ayanna has collaborated with many stellar artists, including Anoushka Shankar, Nitin Sawhney, Andrea Bocelli and Jools Holland. She has also toured extensively across the UK, Europe and the US.
After graduating with a first-class degree from Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance and the Manhattan School of Music, Ayanna participated in the London Symphony Orchestra’s Panufnik Young Composers Scheme. Soon after, as Emerging Artist in Residence at London’s Southbank Centre, Ayanna performed as a featured artist with Courtney Pine’s Afropeans: Jazz Warriors. Later, whilst studying in the USA at New York’s Manhattan School of Music, she became the only non-American to win ‘Amateur Night Live at the legendary Apollo Theatre in Harlem, NYC.
As a composer, Ayanna has been commissioned by the London Symphony Orchestra, Güerzenich Orchester, Ligeti Quartet, Kronos Quartet and The Hip-Hop Shakespeare Company to name but a few. She was also selected as an arranger/orchestrator for the London Symphony Orchestra (Hugh Masekela, Belief) and the BBC Symphony Orchestra (Urban Classic).
Ayanna has released three EPs (‘Truthfully’, ‘Black Panther’ & ‘Ella, Reuben & Ay’) and put out her debut album ‘Road Runner’ in 2019, with its two subsequent singles’ Nothing Less’ and ‘Crossroads’, via her own independent record label (Hill and Gully Records). Ayanna has worked with producers Marc Mac (4Hero), James Yarde (Terri Walker, Jamelia, Eric Benet) and recorded with featured artists, including pianist Robert Mitchell and rapper Akala.
With her January 2021 surprise-released EP ‘Rise Up, Ayanna again combined reggae, classical, jazz and R&B to celebrate black culture and identity to uplift and inspire the next generation. The stunning collection of three tracks and videos featuring Akala on ‘Rise Up’, Cleveland Watkiss on ‘Declaration Of Rights’ and the ‘Rise Up Riddim’ have received a huge amount of critical acclaim.
Ayanna said, ‘In ‘Rise Up’, I created a song with a strong message specifically influenced by my Jamaican heritage. The starting point was a dancehall riddim that informed the main cello riff. Lyrically, I challenged myself to create something uplifting with an uplifting message, and it just flowed. I wrote the song for the next generation in the black community to remember they are the key to the future. To celebrate their culture and to be proud of it. Now is not the time to give up on your dreams. No matter how hard things seem, Rise Up, embrace our history and claim our birth rights of freedom and joy.”
Many of Ayanna’s remarkable tracks have received airplay on radio stations, including BBC Radio 1, 1Xtra, 2, 3, 4, 6, BBC Radio London, BBC Manchester, Jazz FM and Scala Radio. Her TV credits include BBC One, London Live, Channel 4 (Sing It Loud: Black and Proud), BBC Proms and a stunning performance on Later…with Jools Holland (BBC One).
Despite the challenges of 2020, Ayanna took it all in her stride and continued to create music. She performed a special Livestream for Royal Albert Hall, took part in Trinity Laban’s Virtual Orchestra and picked up an AIM Award nomination for ‘Best Live Act’. In addition, she presented two shows at Wigmore Hall, appeared on BBC Radio 3’s ‘This Classical Life’ podcast, co-wrote and featured on Anoushka Shankar’s Grammy single ‘Those Words’ from the Grammy-nominated Love Letters EP. Ayanna also collaborated with and featured on Nitin Sawhney’s stunning single ‘Movement Variation II’ taken from his acclaimed recent album ‘Immigrants’.
2021 was a stellar year for Ayanna. Collaborating with Solem Quartet as part of their Beethoven Bartok Now series, she has also had her song ‘Draw the Line’, commissioned by The Hermes Experiment, and featured on their sophomore album ‘Songs’. Ayanna also featured on the track called ‘Flow My Tears’ with John Aram, the arranger for Phil Collins. The song is a slick, modern-day reimagining of English composer John Dowland’s 400- year-old music. That year saw Ayanna return to the live stage, headlining at London’s iconic Jazz Café and Kings Place. She made additional performances supporting Nubiyan Twist on their UK tour, participating in ‘Jazz Voice’ (the opening of the London Jazz Festival) at the Royal Festival Hall and a 22-date US tour with Opera superstar Andrea Bocelli.
Now in 2022, Ayanna continues her composition work with several commissions for ensembles and orchestras, including a Royal Philharmonic Society Commission for the Philharmonia Ensemble. Her talent has seen her compose for the sold out, hit theatre production, ‘The Collaboration’, at London’s Young Vic Theatre, and compose for the renowned documentary ‘Hostile’ whilst working on her sophomore album.
With two headlined shows at London’s Purcell Rooms, and a headlined show at Wigmore Hall featuring guest artists, Ayanna’s continues to inspire with her composition ‘FAIYA!’ performed by the LSO in Trafalgar Square (conducted by Sir Simon Rattle), and collaborating on a number of live performances with ‘Solem Quartet’ of her composition ‘Island Suite’, which was originally commissioned by them as part of their ‘Beethoven Bartok Now Part IV’ series.
Venturing into new territories, Ayanna has been cast in a cameo role in the new Amazon Prime series adaptation of Neil Gaiman’s ‘Anansi Boys’, alongside greats such as Whoopi Goldberg, which airs in 2023.
Ayanna is a performer of extraordinary versatility, due to her musical prowess, mesmerising vocals, non-compromising lyrics, and ability to deftly reinterpret songs on the cello. Her must-see live shows are intimate journeys that chronicle her experience as a female artist in the 21st century.
Ayanna Witter-Johnson is the very definition of eclectic soul.
La première visite de Shchedrin à Verbier remonte à 1997, il y a 25 ans, lorsque Maxim Vengerov et Antonio Pappano ont joué son nouveau Concerto pour violon. Depuis cette date, il est un invité annuel du Festival avec son épouse la maintenant défunte Maya Plissetskaya. Au fil des ans, Shchedrin a composé de nombreuses nouvelles œuvres depuis son chalet prêté par l’un des Amis du Festival.
Errollyn Wallen – « femme de la renaissance de la musique britannique contemporaine » (ˆ) – est aussi respectée en tant qu’auteur-compositeur-interprète de chansons d’influence pop qu’en tant que compositeur de musique nouvelle contemporaine. La communication est au centre de ces deux mondes : engager le public, s’adresser directement aux cœurs et aux esprits.
Née à Belize, Errollyn Wallen a abandonné sa formation au Dance Theater of Harlem, à New York, pour étudier la composition aux universités de Londres et de Cambridge. Elle a fondé son propre Ensemble X, dont la devise « We don’t break down barriers in music… we don’t see any » (Nous ne faisons pas tomber les barrières en musique… nous n’en voyons pas) reflète son approche authentique et libre et son éclectisme musical. Elle a reçu des commandes d’institutions musicales exceptionnelles, de la BBC au Royal Opera House, et a interprété ses chansons dans le monde entier.
L’innovation incessante d’Esa-Pekka Salonen le pousse à repositionner constamment la musique classique au 21e siècle. Il est connu à la fois comme compositeur et chef d’orchestre et est actuellement le chef d’orchestre principal et conseiller artistique du Philharmonia Orchestra de Londres. Il est le directeur musical désigné de l’Orchestre symphonique de San Francisco ; la saison 2020-21 sera sa première en tant que directeur musical. Il est artiste associé à l’Opéra et au Ballet national finlandais. Il a récemment rejoint la faculté de la Colburn School de Los Angeles, où il a développé, dirigé et mis en place le programme pré-professionnel de direction d’orchestre pour les Negaunee.
Il est chef d’orchestre lauréat de l’Orchestre symphonique de la radio suédoise et de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, dont il a été le directeur musical de 1992 à 2009. Salonen a cofondé – et de 2003 à 2018 a été directeur artistique – le festival annuel de la mer Baltique, qui invite des artistes célèbres à promouvoir l’unité et la conscience écologique parmi les pays autour de la mer Baltique.
Avec une oeuvre qui embrasse et défie les traditions classiques occidentales, Gabriel Prokofiev et sa nouvelle approche de la musique classique se sont imposé sur la scène internationale, en ce début de XXIe siècle. Après avoir terminé ses études musicales aux universités de Birmingham et de York, et insatisfait du monde « insulaire » de la musique classique contemporaine, il a développé une carrière musicale parallèle en tant que producteur d’électro et de hip-hop. Cette formation en musique de danse, mêlée à ses racines classiques, donne à sa musique un son unique et résolument contemporain.
Gabriel Prokofiev s’est constitué un vaste corpus d’œuvres orchestrales et de musique de chambre, et a composé sept concertos (dont trois pour platine vinyle), ainsi que de nombreuses œuvres électroniques, associant souvent synthétiseurs et sampleurs à instrumentation classique. Ses œuvres ont été jouées dans le monde entier par des orchestres tels que le Seattle Symphony, le Detroit Symphony, le St Petersburg Philharmonic, le Moscow State Symphony, le BBC Philharmonic, le MDR Leipzig, le Copenhagen Phil, le Luxembourg Philharmonique, le Buenos Aires Filharmonica, le Porto Symphony et le Real Orquesta de Sevilla. De plus, il collabore fréquemment avec des danseurs contemporains et a travaillé avec des compagnies telles que le Stuttgarter Ballet, Rambert Dance, Bern Ballet, Shobana Jeyasingh, Birmingham Royal Ballet, Alexander Whitley Dance et Gandini Juggling. En 2019, son premier opéra complet Elizabetta a été créé par l’Opéra de Ratisbonne en Bavière.
Gabriel est également commissaire d’événements, producteur et fondateur de la maison de disques Nonclassical et des évènements associés qui accueillent une foule d’artistes défiant les conventions. Grâce à Nonclassical, il a été l’un des principaux artisans d’une nouvelle manière de présenter la musique classique dans des lieux inhabituels ; et il se produit régulièrement dans les boîtes de nuit, les entrepôts et les festivals de musique électronique de l’est de Londres, souvent en tant que DJ et en effectuant des remixes en direct des œuvres qui viennent d’être jouées.
Gabriel Prokofiev a étudié la composition électroacoustique avec Jonty Harrison à Birmingham, et possède un master en composition effectué avec Ambrose Field & Roger Marsh. Il est publié par Faber Music et Mute Song, et réside à Hackney, à Londres, avec sa femme et leurs trois jeunes enfants.
Roberto Fonseca est un pianiste, interprète, multi-instrumentiste, compositeur, réalisateur et meneur de groupe cubain. Né à La Havane, où il réside encore, il a déjà sorti neuf albums en solo dans lesquels il s’efforçait de marier les genres. Nommé pour un Grammy Award, ses nombreuses tournées lui ont permis d’avoir déjà parcouru plusieurs fois le monde. Au cours de sa carrière, il aura œuvré pour réaliser l’ambition de ses débuts en 1990 : “Peu importe où se trouvent les gens, je veux qu’ils puissent entendre ma musique et se dire, “C’est du Roberto Fonseca”.”
Né en 1975 à La Havane, Roberto est le fils d’un batteur et d’une danseuse et chanteuse. Il débute la batterie à l’âge de quatre ans avant de se mettre au piano dès huit ans. Ses goûts sont toujours éclectiques: du hard-rock. Du jazz américain. De la funk et de la soul. De la musique classique, de la musique africaine et brésilienne, du reggaeton, de l’électro, du hip-hop. La musique de Cuba: avec ses racines profondément ancrées dans la tradition afro-cubaine, Roberto Fonseca fait le pont entre l’ancien et le moderne et porte la musique cubaine – toutes les musiques – vers l’avant.
Roberto Fonseca fait ses débuts en concert au Jazz Plaza Festival de la Havane à l’âge de 15 ans. Il obtient un diplôme de l’Instituto Superior de Arte et rejoint Temperamento, une formation de jazz récompensée avec laquelle il collabore pendant 15 ans.
En 1999, Roberto publie son premier album solo, Tiene Que Ver, suivi de No Limit: AfroCuban Jazz en 2000 et Elengó (2001). Il compose la musique originale de Black, un film réalisé par le français P. Maraval et réalise un album pour son groupe hip-hop Obsesión. En 2011, il intègre le Buena Vista Social Club, remplaçant au piano Ruben Gonzalez (1919 – 2003) avant de partir en tournée avec le chanteur Ibrahim Ferrer (1927 – 2005) et l’éternelle diva Omara Portuondo.
Il co-réalise et joue sur l’album posthume d’Ibrahim Ferrer Mi Sueño: A Bolero Songbook (2006), avant de sortir Zamazu, son album solo de jazz-roots référence en 2007 impliquant plus de 20 collaborateurs. Roberto poursuit avec Akokan en 2009, rejoint par la chanteuse cap-verdienne Mayra Andrade et le guitariste américain Raul Midon. Son Live in Marciac a été enregistré lors du festival éponyme situé dans le sud de la France.
Il est remarqué par certaines références du monde culturel : a créatrice mythique Agnès B lui signe ses costumes cintrés et son chapeau en cuir Byblos dès 2006. L’incontournable passionné de musique basé à Londres, Gilles Peterson lui demande d’arranger et produire le projet avant-gardiste Havana Cultura en 2010. La musique de Roberto est désormais très demandée pour accompagner des campagnes publicitaires haute-gamme.
En 2012, il est nommé pour un Grammy avec son chef-d’oeuvre Yo, un album sur-vitaminé réalisé avec l’aide de 15 musiciens de Cuba, d’Afrique et des États-Unis. Avec à ses côtés l’auteur-interprète et guitariste malienne Fatoumata Diawara, Roberto se produit sur scène lors de concerts remarquables, culminant par l’enregistrement de At Home en 2015, au festival de Jazz in Marciac.
ABUC sorti en 2016 explore l’histoire, le passé, le présent et le futur de la musique cubaine avec un casting impressionnant de 30 invités. La même année, Roberto devient le directeur artistique du premier Festival Jazz Plaza et Santiago de Cuba.
Roberto Fonseca qui s’est produit dans certaines des plus prestigieuses salles du monde, retourne également pour des résidences deux fois par semaine au club Zorro y el Cuevo (Le Corbeau et le Renard) de la Havane. En trio – épaulé du batteur Ruly Herrera et de Yandy Martínez à la contrebasse – il développe et explore des nouvelles compositions, façonnant le squelette de ce qui deviendra son nouvel album Yesun.
Disponible sur le label 3ème Bureau/Wagram Music dès le 18 Octobre 2019, Yesun inclue des invités prestigieux tels le saxophoniste récompensé aux Grammy Awards Joe Lovano, le remarquable trompettiste franco-libanais Ibrahim Maalouf et la star montante du rap cubain Danae Suarez. Les sons de claviers rétro-modernes, les rythmiques organiques africaines ou électro et les samples complètent l’univers musical de l’album.
Ayant été distingué en 2019 (recevant le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le ministère de la Culture), Roberto Fonseca a désormais l’élan pour créer la musique qu’il avait toujours eu envie de faire.
Norwegian violinist Henning Kraggerud is Artistic Director of the Arctic Philharmonic Chamber Orchestra. His extraordinary reach as an artist is a result of his versatility and passion for music, as well as the genuine quality to his playing and the beauty of his performances. His teaching and educational writings provide fascinating insights into his multi-faceted approach to music-making, while his composing, arranging and improvising – frequently bringing his own works into the concert hall – recall the spirit of the old masters such as Josef Suk and Eugène Ysaÿe.
In the 18/19 season, Henning is Artist in Residence with the Kristiansand Symphony Orchestra in Norway and the Poznan Philharmonic Orchestra in Poland. His eminence as a soloist and play/director have led to invitations time and again to many of the world’s most significant orchestras, most recently the Toronto Symphony, Baltimore Symphony, Danish National Symphony, Tonkünstler Vienna, BBC Scottish Symphony, Tasmanian Symphony and Macao orchestras. Highlights of the current season include debuts with the Deutsche Kammerakademie Neuss am Rhein, Orchestra della Toscana, Royal Danish Opera orchestra and Kuopio Symphony. Henning also returns to Helsingborg Symphony and Vancouver Symphony orchestras and appears with Camerata Salzburg and Janine Jansen at the Salzburg Mozartwoche and on tour in Germany.
Henning is a prolific composer whose works are performed by many prominent musicians and orchestras around the globe. His largest-scale work to date is entitled Equinox: 24 Postludes in All Keys for Violin and String Orchestra. Commissioned, premiered and recorded by the Arctic Philharmonic Chamber Orchestra with Henning as soloist, the work was composed as a musical counterpart to a story specially written by world-famous author Jostein Gaarder, and has been hailed as “a fascinating composition to return to over and over again” (MusicWeb International). In 2017, Henning composed a violin/piano version of Equinox, which was premiered in Norway in 2018 with pianist Clare Hammond and Jostein Gaarder narrating.
Henning’s output as a composer also includes Preghiera, commissioned and performed by the Brodsky Quartet in 2012, and The Last Leaf, given its first performance in 2014 by the Britten Sinfonia, as well as cadenzas for two of Haydn’s cello concertos commissioned by Clemens Hagen in 2015 and Victimae Paschali for choir and orchestra commissioned by the Trondheim Chamber Music Festival. In 2017, the Ostrobothnian Chamber Orchestra commissioned and performed Topelius Variations for string orchestra, which Henning performed again later that year in an extensive national tour with the Australian Chamber Orchestra.
With his ever-present spirit of discovery, Henning gave the 21st century premiere of the Johan Halvorsen Violin Concerto with the Norwegian Chamber Orchestra at the 2016 Risør Chamber Music Festival. Originally premiered in 1909, the concerto was subsequently considered lost until its re-discovery over 100 years later. Henning went on to play the work with the Oslo and Bergen Philharmonic orchestras, and in 2017 released a recording on the Naxos label with the Malmö Symphony Orchestra and Bjarte Engeset, leading BBC Radio 3’s Record Review to comment, “It’s difficult to imagine more ardent advocates for this sleeping beauty of a piece”. In the current season, Henning gives the first ever performances of the work in Poland with the Poznan Philharmonic and in Finland with the Kymi Sinfonietta.
Henning regularly performs on both violin and viola at major festivals and venues; recent collaborations have taken place at Wigmore Hall, King’s Place, Bruges Concertgebouw, Berlin Konzerthaus and Budapest’s kamara.hu festival, with artists such as Steven Isserlis, Joshua Bell, Lawrence Power, Leif Ove Andsnes, Håvard Gimse, Kathryn Stott, Natalie Clein, Christian Ihle Hadland, Christian Poltéra and Jeremy Menuhin. In the 18/19 season, Henning tours the UK with Adrian Brendel and Imogen Cooper, including a return to Wigmore Hall.
In 2015, Henning became International Chair in Violin at the Royal Northern College of Music in Manchester, and in 2017 received a Fellowship. Passionate about musical education, Henning is a Professor at the Barratt Due Institute of Music in Oslo, and in 2018 was a jury member at the Menuhin Competition in Geneva, where he also performed the opening concert with Orchestre de la Suisse Romande under Marin Alsop. This season, he is a jury member at the Leeds Piano Competition.
Henning’s eclectic discography includes many recordings on the Naxos label. His Naxos recording of Mozart Concertos Nos. 3, 4 and 5 with the Norwegian Chamber orchestra included Henning’s own cadenzas, and was awarded an ECHO Klassik Award as well as chosen as Classic FM’s Album of the Week, NDR Kultur’s CD of the Week, Editor’s Choice in Classical Music Magazine, Recommended in The Strad, and featured on BBC Radio 3’s Record Review.
On the Simax label, Henning’s most recent release is a collaboration with the Arctic Philharmonic Orchestra and world-famous author Erik Fosnes Hansen. Entitled Between the Seasons, the disc features Vivaldi’s The Four Seasons interspersed with Henning’s own compositions. Also for Simax, Henning has recorded the complete solo sonatas of Ysaÿe, on a disc which won the prestigious Spellemann CD award. On the ACT label, he released a disc entitled Last Spring which explored improvisations on Norwegian folk music with jazz pianist Bugge Wesseltoft. This season, the two artists re-join for a performance at Jazz at Berlin Philharmonic.
Born in Oslo in 1973, Henning studied with Camilla Wicks and Emanuel Hurwitz. He is a recipient of the Grieg Prize, the Ole Bull Prize and the Sibelius Prize.
Henning Kraggerud plays on a 1744 Guarneri del Gesù, provided by Dextra Musica AS. This company is founded by Sparebankstiftelsen DNB.
Pianiste et compositeur, Jérôme Ducros est un artiste aux multiples facettes, se produisant aussi bien en soliste qu’en musique de chambre, dans un répertoire très large allant jusqu’à la musique d’aujourd’hui, notamment avec ses propres œuvres.
Chambriste très recherché, il est le partenaire régulier en concert et au disque de Renaud et Gautier Capuçon, Philippe Jaroussky, Jérôme Pernoo, Bruno Philippe… Il se produit ainsi sur les plus grandes scènes telles que le Théâtre des Champs-Elysées, la Philharmonie de Berlin, le Musikverein et Konzerthaus de Vienne, les Wigmore Hall et Barbican Center de Londres, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Carnegie Hall, le Liceu de Barcelone, le Théâtre Marinsky de Saint-Pétersbourg, la Salle Tchaïkovsky de Moscou, le KKL de Lucerne, l’Opéra de Tokyo… Il collabore aussi avec Augustin Dumay, Michel Portal, Michel Dalberto, Nicholas Angelich, Antoine Tamestit, Paul Meyer, Gérard Caussé, Tabea Zimmermann, Jean-Guihen Queyras, Henri Demarquette, le Quatuor Ébène ou avec les chanteurs Dawn Upshaw, Diana Damrau, Angelika Kirchslager, Ian Bostridge, Mojca Erdmann, Laurent Naouri, Nora Gubisch…
Confidentielle il y a encore quelques années, la musique écrite par Jérôme Ducros s’est peu à peu fait connaître et reconnaître par un nombre croissant de musiciens, notamment depuis la publication de son Trio pour deux violoncelles et piano en 2006 (Billaudot, coll. Gautier Capuçon). Depuis, ses œuvres ont été jouées par de nombreux interprètes tels que Sergey Malov, Sarah et Deborah Nemtanu, Alina Ibragimova, Gérard Caussé, Adrien Boisseau, Jérôme Pernoo, Henri Demarquette, Gautier Capuçon, Bruno Philippe, Georgi Anichenko, Raphaël Sévère, Nora Gubisch, Laurent Naouri, Antoine Tamestit… C’est ainsi qu’au gré des commandes il a eu l’occasion d’écrire des œuvres de virtuosité (Encore pour violoncelle et piano), de musique de chambre (trios, quintette), vocales (La mort du poète, Deux poèmes de Verhaeren…), ou symphoniques. En 2013 est paru chez DECCA un premier CD monographique consacré à sa musique de chambre. En 2016, un double concerto pour violoncelle, piano et orchestre est créé avec l’Orchestre de Pau, Fayçal Karoui et Jérôme Pernoo. Il a par ailleurs produit un certain nombre de travaux plus théoriques sur le langage musical et son évolution, notamment lors d’une conférence au Collège de France, donnée en 2012 à l’invitation de Karol Beffa, et qui a suscité un débat nourri dans les milieux artistiques.
Parmi la discographie de Jérôme Ducros, on peut citer l’œuvre pour piano et orchestre de Fauré avec l’Orchestre de Bretagne dirigé par Moshe Atzmon (Timpani, 2008) ; « Capriccio », récital avec Renaud Capuçon (Virgin Classics, 2008) ; « Opium », mélodies françaises, en compagnie de Philippe Jaroussky, Renaud et Gautier Capuçon et Emmanuel Pahud (Virgin Classics, 2009) ; l’œuvre de Beethoven pour piano et violoncelle avec Jérôme Pernoo (Ligia-Digital, 2009) ; la musique de chambre de Guillaume Connesson (Collection Pierre Bergé, 2012 – Rééd. Sony, 2017) ; « En aparté », œuvres de musique de chambre de Jérôme Ducros (Decca, 2013) ; « Green », mélodies françaises avec Philippe Jaroussky et le quatuor Ébène (Erato, 2015) ; « Intuition », pièces pour violoncelle et piano avec Gautier Capuçon (Erato, 2018) ; Rachmaninov, Miaskovsky, œuvres pour violoncelle et piano avec Bruno Philippe (Harmonia Mundi, 2019).
Né en 1974, Jérôme Ducros a étudié le piano avec François Thinat, Gérard Frémy et Cyril Huvé et suivi les masterclasses de Léon Fleisher, Gyorgy Sebök, Davitt Moroney et Christian Zacharias. Lauréat du concours International de Piano Umberto Micheli organisé par Maurizio Pollini à la Scala de Milan, il s’est produit dans de nombreuses salles à traves le monde et en soliste aux côtés d’orchestres tels que le Johannesbourg Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National de Lyon, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, l’Orchestre National de Lille, l’Ensemble Orchestral de Paris, l’Orchestre Français des Jeunes ou le Rotterdam Philharmonic Orchestra, avec des chefs tels que Alain Altinoglu, Paul Meyer, James Judd, Emmanuel Krivine, Marc Minkowski, Christopher Hogwood…
“A performer of near-superhuman technical prowess” (The New York Times), pianist Marc André Hamelin is known worldwide for his unrivaled blend of consummate musicianship and brilliant technique in the great works of the established repertoire, as well as for his intrepid exploration of the rarities of the 19th, 20th, and 21st centuries – in concert and on disc – earning him legendary status as a true icon of the piano.
Mr. Hamelin begins the 19/20 season performing the Brahms Piano concerti with the Orchestre Métropolitain and Yannick Nézet-Séguin at Le Festival de Lanaudière, and the world premiere of Ryan Wigglesworth’s piano concerto at the BBC Proms, led by the composer. Other summer appearances include recitals at the Schubertiade, Helsingborg Piano Festival, Mänttä Music Festival, Domaine Forget, Orford Music Festival, the Newport Music Festival, and at the Rosendal Chamber Music Festival with friend and regular collaborator, Leif Ove Andsnes.
Recital appearances this season include a return to Carnegie Hall’s Stern Auditorium/Perelman Stage on the Great Artists Series. He also performs at Wigmore Hall, the George Enescu Festival, Ascona (Switzerland), Prague, Munich, Alte Oper Frankfurt, Stuttgart, Moscow State Philharmonic, at the Elbphilharmonie for the Husum Rarities of Piano Music Festival, Monte Carlo, and the Heidelberg Festival, among other dates.
Mr. Hamelin is the inaugural guest curator for Portland Piano International, where he opens the season with two solo recitals. He returns to San Francisco Performances – a series with whom he has a long and deeply supportive artistic relationship – as a Perspectives Artist for their 40th Anniversary Season, performing a solo recital; Die Winterreise with tenor Mark Padmore; and the world premiere of his own Piano Quintet, commissioned by SFP and performed by himself and the Alexander String Quartet.
An exclusive recording artist for Hyperion Records, in 19/20, Hyperion releases two albums by Mr. Hamelin – one a solo disc and the other with the Takács Quartet. He recently released a disc of Schubert’s Piano Sonata in B-Flat Major and Four Impromptus; a landmark disc of Stravinsky’s The Rite of Spring and Concerto for Two Pianos with Leif Ove Andsnes; Morton Feldman’s For Bunita Marcus; and Medtner’s Piano Concerto No. 2 and Rachmaninov’s Piano Concerto No. 3 with the London Philharmonic Orchestra and Vladimir Jurowski. His impressive Hyperion discography of more than 60 recordings includes concertos and works for solo piano by such composers as Alkan, Godowsky, and Medtner, as well as brilliantly received performances of Brahms, Chopin, Liszt, Schumann, and Shostakovich.
He was honored with the 2014 ECHO Klassik Instrumentalist of Year (Piano) and Disc of the Year by Diapason Magazine and Classica Magazine for his three-disc set of Busoni: Late Piano Music and an album of his own compositions, Hamelin: Études, which received a 2010 Grammy nomination and a first prize from the German Record Critics’ Association.
Mr. Hamelin was a distinguished member of the jury of the 15 th Van Cliburn International Piano Competition in 2017 where each of the 30 competitors in the preliminary round performed Hamelin’s Toccata on L’Homme armé; this was the first time the composer of the commissioned work was also a member of the jury. Mr. Hamelin has composed music throughout his career, with nearly 30 compositions to his name. The majority of those works – including the Études and Toccata on L’Homme armé – are published by Edition Peters.
Mr. Hamelin makes his home in the Boston area with his wife, Cathy Fuller. Born in Montreal, Marc-André Hamelin is the recipient of a lifetime achievement award from the German Record Critics’ Association and has received seven Juno Awards and eleven GRAMMY nominations. He is an Officer of the Order of Canada, a Chevalier de l’Ordre du Québec, and a member of the Royal Society of Canada.