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Jack Pepper est l’un des plus jeunes présentateurs de radio nationale au Royaume-Uni. À 19 ans, il a participé à la création de Scala Radio, la toute nouvelle station de radio classique nationale du Royaume-Uni, et en est devenu le présentateur. Jack rejoint une équipe qui comprend certains des présentateurs les plus appréciés du Royaume-Uni, notamment Simon Mayo, Angellica Bell et Mark Kermode. Pendant cinq ans, son émission hebdomadaire du samedi, Jack Pepper’s Culture Bunker, s’est intéressée aux coulisses de la musique. Parmi ses invités figuraient certaines des plus grandes stars du monde artistique. Jack est également un compositeur à succès.
Ayanna Witter-Johnson is a multi-talented singer, songwriter, pianist and cellist. She has a phenomenal mastery for seamlessly crossing the boundaries of classical, jazz, reggae, soul and R&B, to imprint her unique musical signature with her virtuosic tap, strum and bow with her cello into her sound and vibe.
“As a second-generation Jamaican born in Britain, my music is a body of work that represents, celebrates and pays homage to my ancestral heritage, culture and identity,” explains Ayanna.
An acclaimed and celebrated performer, Ayanna has collaborated with many stellar artists, including Anoushka Shankar, Nitin Sawhney, Andrea Bocelli and Jools Holland. She has also toured extensively across the UK, Europe and the US.
After graduating with a first-class degree from Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance and the Manhattan School of Music, Ayanna participated in the London Symphony Orchestra’s Panufnik Young Composers Scheme. Soon after, as Emerging Artist in Residence at London’s Southbank Centre, Ayanna performed as a featured artist with Courtney Pine’s Afropeans: Jazz Warriors. Later, whilst studying in the USA at New York’s Manhattan School of Music, she became the only non-American to win ‘Amateur Night Live at the legendary Apollo Theatre in Harlem, NYC.
As a composer, Ayanna has been commissioned by the London Symphony Orchestra, Güerzenich Orchester, Ligeti Quartet, Kronos Quartet and The Hip-Hop Shakespeare Company to name but a few. She was also selected as an arranger/orchestrator for the London Symphony Orchestra (Hugh Masekela, Belief) and the BBC Symphony Orchestra (Urban Classic).
Ayanna has released three EPs (‘Truthfully’, ‘Black Panther’ & ‘Ella, Reuben & Ay’) and put out her debut album ‘Road Runner’ in 2019, with its two subsequent singles’ Nothing Less’ and ‘Crossroads’, via her own independent record label (Hill and Gully Records). Ayanna has worked with producers Marc Mac (4Hero), James Yarde (Terri Walker, Jamelia, Eric Benet) and recorded with featured artists, including pianist Robert Mitchell and rapper Akala.
With her January 2021 surprise-released EP ‘Rise Up, Ayanna again combined reggae, classical, jazz and R&B to celebrate black culture and identity to uplift and inspire the next generation. The stunning collection of three tracks and videos featuring Akala on ‘Rise Up’, Cleveland Watkiss on ‘Declaration Of Rights’ and the ‘Rise Up Riddim’ have received a huge amount of critical acclaim.
Ayanna said, ‘In ‘Rise Up’, I created a song with a strong message specifically influenced by my Jamaican heritage. The starting point was a dancehall riddim that informed the main cello riff. Lyrically, I challenged myself to create something uplifting with an uplifting message, and it just flowed. I wrote the song for the next generation in the black community to remember they are the key to the future. To celebrate their culture and to be proud of it. Now is not the time to give up on your dreams. No matter how hard things seem, Rise Up, embrace our history and claim our birth rights of freedom and joy.”
Many of Ayanna’s remarkable tracks have received airplay on radio stations, including BBC Radio 1, 1Xtra, 2, 3, 4, 6, BBC Radio London, BBC Manchester, Jazz FM and Scala Radio. Her TV credits include BBC One, London Live, Channel 4 (Sing It Loud: Black and Proud), BBC Proms and a stunning performance on Later…with Jools Holland (BBC One).
Despite the challenges of 2020, Ayanna took it all in her stride and continued to create music. She performed a special Livestream for Royal Albert Hall, took part in Trinity Laban’s Virtual Orchestra and picked up an AIM Award nomination for ‘Best Live Act’. In addition, she presented two shows at Wigmore Hall, appeared on BBC Radio 3’s ‘This Classical Life’ podcast, co-wrote and featured on Anoushka Shankar’s Grammy single ‘Those Words’ from the Grammy-nominated Love Letters EP. Ayanna also collaborated with and featured on Nitin Sawhney’s stunning single ‘Movement Variation II’ taken from his acclaimed recent album ‘Immigrants’.
2021 was a stellar year for Ayanna. Collaborating with Solem Quartet as part of their Beethoven Bartok Now series, she has also had her song ‘Draw the Line’, commissioned by The Hermes Experiment, and featured on their sophomore album ‘Songs’. Ayanna also featured on the track called ‘Flow My Tears’ with John Aram, the arranger for Phil Collins. The song is a slick, modern-day reimagining of English composer John Dowland’s 400- year-old music. That year saw Ayanna return to the live stage, headlining at London’s iconic Jazz Café and Kings Place. She made additional performances supporting Nubiyan Twist on their UK tour, participating in ‘Jazz Voice’ (the opening of the London Jazz Festival) at the Royal Festival Hall and a 22-date US tour with Opera superstar Andrea Bocelli.
Now in 2022, Ayanna continues her composition work with several commissions for ensembles and orchestras, including a Royal Philharmonic Society Commission for the Philharmonia Ensemble. Her talent has seen her compose for the sold out, hit theatre production, ‘The Collaboration’, at London’s Young Vic Theatre, and compose for the renowned documentary ‘Hostile’ whilst working on her sophomore album.
With two headlined shows at London’s Purcell Rooms, and a headlined show at Wigmore Hall featuring guest artists, Ayanna’s continues to inspire with her composition ‘FAIYA!’ performed by the LSO in Trafalgar Square (conducted by Sir Simon Rattle), and collaborating on a number of live performances with ‘Solem Quartet’ of her composition ‘Island Suite’, which was originally commissioned by them as part of their ‘Beethoven Bartok Now Part IV’ series.
Venturing into new territories, Ayanna has been cast in a cameo role in the new Amazon Prime series adaptation of Neil Gaiman’s ‘Anansi Boys’, alongside greats such as Whoopi Goldberg, which airs in 2023.
Ayanna is a performer of extraordinary versatility, due to her musical prowess, mesmerising vocals, non-compromising lyrics, and ability to deftly reinterpret songs on the cello. Her must-see live shows are intimate journeys that chronicle her experience as a female artist in the 21st century.
Ayanna Witter-Johnson is the very definition of eclectic soul.
La première visite de Shchedrin à Verbier remonte à 1997, il y a 25 ans, lorsque Maxim Vengerov et Antonio Pappano ont joué son nouveau Concerto pour violon. Depuis cette date, il est un invité annuel du Festival avec son épouse la maintenant défunte Maya Plissetskaya. Au fil des ans, Shchedrin a composé de nombreuses nouvelles œuvres depuis son chalet prêté par l’un des Amis du Festival.
Errollyn Wallen – « femme de la renaissance de la musique britannique contemporaine » (ˆ) – est aussi respectée en tant qu’auteur-compositeur-interprète de chansons d’influence pop qu’en tant que compositeur de musique nouvelle contemporaine. La communication est au centre de ces deux mondes : engager le public, s’adresser directement aux cœurs et aux esprits.
Née à Belize, Errollyn Wallen a abandonné sa formation au Dance Theater of Harlem, à New York, pour étudier la composition aux universités de Londres et de Cambridge. Elle a fondé son propre Ensemble X, dont la devise « We don’t break down barriers in music… we don’t see any » (Nous ne faisons pas tomber les barrières en musique… nous n’en voyons pas) reflète son approche authentique et libre et son éclectisme musical. Elle a reçu des commandes d’institutions musicales exceptionnelles, de la BBC au Royal Opera House, et a interprété ses chansons dans le monde entier.
L’innovation incessante d’Esa-Pekka Salonen le pousse à repositionner constamment la musique classique au 21e siècle. Il est connu à la fois comme compositeur et chef d’orchestre et est actuellement le chef d’orchestre principal et conseiller artistique du Philharmonia Orchestra de Londres. Il est le directeur musical désigné de l’Orchestre symphonique de San Francisco ; la saison 2020-21 sera sa première en tant que directeur musical. Il est artiste associé à l’Opéra et au Ballet national finlandais. Il a récemment rejoint la faculté de la Colburn School de Los Angeles, où il a développé, dirigé et mis en place le programme pré-professionnel de direction d’orchestre pour les Negaunee.
Il est chef d’orchestre lauréat de l’Orchestre symphonique de la radio suédoise et de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, dont il a été le directeur musical de 1992 à 2009. Salonen a cofondé – et de 2003 à 2018 a été directeur artistique – le festival annuel de la mer Baltique, qui invite des artistes célèbres à promouvoir l’unité et la conscience écologique parmi les pays autour de la mer Baltique.
Avec une oeuvre qui embrasse et défie les traditions classiques occidentales, Gabriel Prokofiev et sa nouvelle approche de la musique classique se sont imposé sur la scène internationale, en ce début de XXIe siècle. Après avoir terminé ses études musicales aux universités de Birmingham et de York, et insatisfait du monde « insulaire » de la musique classique contemporaine, il a développé une carrière musicale parallèle en tant que producteur d’électro et de hip-hop. Cette formation en musique de danse, mêlée à ses racines classiques, donne à sa musique un son unique et résolument contemporain.
Gabriel Prokofiev s’est constitué un vaste corpus d’œuvres orchestrales et de musique de chambre, et a composé sept concertos (dont trois pour platine vinyle), ainsi que de nombreuses œuvres électroniques, associant souvent synthétiseurs et sampleurs à instrumentation classique. Ses œuvres ont été jouées dans le monde entier par des orchestres tels que le Seattle Symphony, le Detroit Symphony, le St Petersburg Philharmonic, le Moscow State Symphony, le BBC Philharmonic, le MDR Leipzig, le Copenhagen Phil, le Luxembourg Philharmonique, le Buenos Aires Filharmonica, le Porto Symphony et le Real Orquesta de Sevilla. De plus, il collabore fréquemment avec des danseurs contemporains et a travaillé avec des compagnies telles que le Stuttgarter Ballet, Rambert Dance, Bern Ballet, Shobana Jeyasingh, Birmingham Royal Ballet, Alexander Whitley Dance et Gandini Juggling. En 2019, son premier opéra complet Elizabetta a été créé par l’Opéra de Ratisbonne en Bavière.
Gabriel est également commissaire d’événements, producteur et fondateur de la maison de disques Nonclassical et des évènements associés qui accueillent une foule d’artistes défiant les conventions. Grâce à Nonclassical, il a été l’un des principaux artisans d’une nouvelle manière de présenter la musique classique dans des lieux inhabituels ; et il se produit régulièrement dans les boîtes de nuit, les entrepôts et les festivals de musique électronique de l’est de Londres, souvent en tant que DJ et en effectuant des remixes en direct des œuvres qui viennent d’être jouées.
Gabriel Prokofiev a étudié la composition électroacoustique avec Jonty Harrison à Birmingham, et possède un master en composition effectué avec Ambrose Field & Roger Marsh. Il est publié par Faber Music et Mute Song, et réside à Hackney, à Londres, avec sa femme et leurs trois jeunes enfants.
Roberto Fonseca est un pianiste, interprète, multi-instrumentiste, compositeur, réalisateur et meneur de groupe cubain. Né à La Havane, où il réside encore, il a déjà sorti neuf albums en solo dans lesquels il s’efforçait de marier les genres. Nommé pour un Grammy Award, ses nombreuses tournées lui ont permis d’avoir déjà parcouru plusieurs fois le monde. Au cours de sa carrière, il aura œuvré pour réaliser l’ambition de ses débuts en 1990 : “Peu importe où se trouvent les gens, je veux qu’ils puissent entendre ma musique et se dire, “C’est du Roberto Fonseca”.”
Né en 1975 à La Havane, Roberto est le fils d’un batteur et d’une danseuse et chanteuse. Il débute la batterie à l’âge de quatre ans avant de se mettre au piano dès huit ans. Ses goûts sont toujours éclectiques: du hard-rock. Du jazz américain. De la funk et de la soul. De la musique classique, de la musique africaine et brésilienne, du reggaeton, de l’électro, du hip-hop. La musique de Cuba: avec ses racines profondément ancrées dans la tradition afro-cubaine, Roberto Fonseca fait le pont entre l’ancien et le moderne et porte la musique cubaine – toutes les musiques – vers l’avant.
Roberto Fonseca fait ses débuts en concert au Jazz Plaza Festival de la Havane à l’âge de 15 ans. Il obtient un diplôme de l’Instituto Superior de Arte et rejoint Temperamento, une formation de jazz récompensée avec laquelle il collabore pendant 15 ans.
En 1999, Roberto publie son premier album solo, Tiene Que Ver, suivi de No Limit: AfroCuban Jazz en 2000 et Elengó (2001). Il compose la musique originale de Black, un film réalisé par le français P. Maraval et réalise un album pour son groupe hip-hop Obsesión. En 2011, il intègre le Buena Vista Social Club, remplaçant au piano Ruben Gonzalez (1919 – 2003) avant de partir en tournée avec le chanteur Ibrahim Ferrer (1927 – 2005) et l’éternelle diva Omara Portuondo.
Il co-réalise et joue sur l’album posthume d’Ibrahim Ferrer Mi Sueño: A Bolero Songbook (2006), avant de sortir Zamazu, son album solo de jazz-roots référence en 2007 impliquant plus de 20 collaborateurs. Roberto poursuit avec Akokan en 2009, rejoint par la chanteuse cap-verdienne Mayra Andrade et le guitariste américain Raul Midon. Son Live in Marciac a été enregistré lors du festival éponyme situé dans le sud de la France.
Il est remarqué par certaines références du monde culturel : a créatrice mythique Agnès B lui signe ses costumes cintrés et son chapeau en cuir Byblos dès 2006. L’incontournable passionné de musique basé à Londres, Gilles Peterson lui demande d’arranger et produire le projet avant-gardiste Havana Cultura en 2010. La musique de Roberto est désormais très demandée pour accompagner des campagnes publicitaires haute-gamme.
En 2012, il est nommé pour un Grammy avec son chef-d’oeuvre Yo, un album sur-vitaminé réalisé avec l’aide de 15 musiciens de Cuba, d’Afrique et des États-Unis. Avec à ses côtés l’auteur-interprète et guitariste malienne Fatoumata Diawara, Roberto se produit sur scène lors de concerts remarquables, culminant par l’enregistrement de At Home en 2015, au festival de Jazz in Marciac.
ABUC sorti en 2016 explore l’histoire, le passé, le présent et le futur de la musique cubaine avec un casting impressionnant de 30 invités. La même année, Roberto devient le directeur artistique du premier Festival Jazz Plaza et Santiago de Cuba.
Roberto Fonseca qui s’est produit dans certaines des plus prestigieuses salles du monde, retourne également pour des résidences deux fois par semaine au club Zorro y el Cuevo (Le Corbeau et le Renard) de la Havane. En trio – épaulé du batteur Ruly Herrera et de Yandy Martínez à la contrebasse – il développe et explore des nouvelles compositions, façonnant le squelette de ce qui deviendra son nouvel album Yesun.
Disponible sur le label 3ème Bureau/Wagram Music dès le 18 Octobre 2019, Yesun inclue des invités prestigieux tels le saxophoniste récompensé aux Grammy Awards Joe Lovano, le remarquable trompettiste franco-libanais Ibrahim Maalouf et la star montante du rap cubain Danae Suarez. Les sons de claviers rétro-modernes, les rythmiques organiques africaines ou électro et les samples complètent l’univers musical de l’album.
Ayant été distingué en 2019 (recevant le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le ministère de la Culture), Roberto Fonseca a désormais l’élan pour créer la musique qu’il avait toujours eu envie de faire.
Pianiste et compositeur, Jérôme Ducros est un artiste aux multiples facettes, se produisant aussi bien en soliste qu’en musique de chambre, dans un répertoire très large allant jusqu’à la musique d’aujourd’hui, notamment avec ses propres œuvres.
Chambriste très recherché, il est le partenaire régulier en concert et au disque de Renaud et Gautier Capuçon, Philippe Jaroussky, Jérôme Pernoo, Bruno Philippe… Il se produit ainsi sur les plus grandes scènes telles que le Théâtre des Champs-Elysées, la Philharmonie de Berlin, le Musikverein et Konzerthaus de Vienne, les Wigmore Hall et Barbican Center de Londres, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Carnegie Hall, le Liceu de Barcelone, le Théâtre Marinsky de Saint-Pétersbourg, la Salle Tchaïkovsky de Moscou, le KKL de Lucerne, l’Opéra de Tokyo… Il collabore aussi avec Augustin Dumay, Michel Portal, Michel Dalberto, Nicholas Angelich, Antoine Tamestit, Paul Meyer, Gérard Caussé, Tabea Zimmermann, Jean-Guihen Queyras, Henri Demarquette, le Quatuor Ébène ou avec les chanteurs Dawn Upshaw, Diana Damrau, Angelika Kirchslager, Ian Bostridge, Mojca Erdmann, Laurent Naouri, Nora Gubisch…
Confidentielle il y a encore quelques années, la musique écrite par Jérôme Ducros s’est peu à peu fait connaître et reconnaître par un nombre croissant de musiciens, notamment depuis la publication de son Trio pour deux violoncelles et piano en 2006 (Billaudot, coll. Gautier Capuçon). Depuis, ses œuvres ont été jouées par de nombreux interprètes tels que Sergey Malov, Sarah et Deborah Nemtanu, Alina Ibragimova, Gérard Caussé, Adrien Boisseau, Jérôme Pernoo, Henri Demarquette, Gautier Capuçon, Bruno Philippe, Georgi Anichenko, Raphaël Sévère, Nora Gubisch, Laurent Naouri, Antoine Tamestit… C’est ainsi qu’au gré des commandes il a eu l’occasion d’écrire des œuvres de virtuosité (Encore pour violoncelle et piano), de musique de chambre (trios, quintette), vocales (La mort du poète, Deux poèmes de Verhaeren…), ou symphoniques. En 2013 est paru chez DECCA un premier CD monographique consacré à sa musique de chambre. En 2016, un double concerto pour violoncelle, piano et orchestre est créé avec l’Orchestre de Pau, Fayçal Karoui et Jérôme Pernoo. Il a par ailleurs produit un certain nombre de travaux plus théoriques sur le langage musical et son évolution, notamment lors d’une conférence au Collège de France, donnée en 2012 à l’invitation de Karol Beffa, et qui a suscité un débat nourri dans les milieux artistiques.
Parmi la discographie de Jérôme Ducros, on peut citer l’œuvre pour piano et orchestre de Fauré avec l’Orchestre de Bretagne dirigé par Moshe Atzmon (Timpani, 2008) ; « Capriccio », récital avec Renaud Capuçon (Virgin Classics, 2008) ; « Opium », mélodies françaises, en compagnie de Philippe Jaroussky, Renaud et Gautier Capuçon et Emmanuel Pahud (Virgin Classics, 2009) ; l’œuvre de Beethoven pour piano et violoncelle avec Jérôme Pernoo (Ligia-Digital, 2009) ; la musique de chambre de Guillaume Connesson (Collection Pierre Bergé, 2012 – Rééd. Sony, 2017) ; « En aparté », œuvres de musique de chambre de Jérôme Ducros (Decca, 2013) ; « Green », mélodies françaises avec Philippe Jaroussky et le quatuor Ébène (Erato, 2015) ; « Intuition », pièces pour violoncelle et piano avec Gautier Capuçon (Erato, 2018) ; Rachmaninov, Miaskovsky, œuvres pour violoncelle et piano avec Bruno Philippe (Harmonia Mundi, 2019).
Né en 1974, Jérôme Ducros a étudié le piano avec François Thinat, Gérard Frémy et Cyril Huvé et suivi les masterclasses de Léon Fleisher, Gyorgy Sebök, Davitt Moroney et Christian Zacharias. Lauréat du concours International de Piano Umberto Micheli organisé par Maurizio Pollini à la Scala de Milan, il s’est produit dans de nombreuses salles à traves le monde et en soliste aux côtés d’orchestres tels que le Johannesbourg Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National de Lyon, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, l’Orchestre National de Lille, l’Ensemble Orchestral de Paris, l’Orchestre Français des Jeunes ou le Rotterdam Philharmonic Orchestra, avec des chefs tels que Alain Altinoglu, Paul Meyer, James Judd, Emmanuel Krivine, Marc Minkowski, Christopher Hogwood…
“A performer of near-superhuman technical prowess” (The New York Times), pianist Marc André Hamelin is known worldwide for his unrivaled blend of consummate musicianship and brilliant technique in the great works of the established repertoire, as well as for his intrepid exploration of the rarities of the 19th, 20th, and 21st centuries – in concert and on disc – earning him legendary status as a true icon of the piano.
Mr. Hamelin begins the 19/20 season performing the Brahms Piano concerti with the Orchestre Métropolitain and Yannick Nézet-Séguin at Le Festival de Lanaudière, and the world premiere of Ryan Wigglesworth’s piano concerto at the BBC Proms, led by the composer. Other summer appearances include recitals at the Schubertiade, Helsingborg Piano Festival, Mänttä Music Festival, Domaine Forget, Orford Music Festival, the Newport Music Festival, and at the Rosendal Chamber Music Festival with friend and regular collaborator, Leif Ove Andsnes.
Recital appearances this season include a return to Carnegie Hall’s Stern Auditorium/Perelman Stage on the Great Artists Series. He also performs at Wigmore Hall, the George Enescu Festival, Ascona (Switzerland), Prague, Munich, Alte Oper Frankfurt, Stuttgart, Moscow State Philharmonic, at the Elbphilharmonie for the Husum Rarities of Piano Music Festival, Monte Carlo, and the Heidelberg Festival, among other dates.
Mr. Hamelin is the inaugural guest curator for Portland Piano International, where he opens the season with two solo recitals. He returns to San Francisco Performances – a series with whom he has a long and deeply supportive artistic relationship – as a Perspectives Artist for their 40th Anniversary Season, performing a solo recital; Die Winterreise with tenor Mark Padmore; and the world premiere of his own Piano Quintet, commissioned by SFP and performed by himself and the Alexander String Quartet.
An exclusive recording artist for Hyperion Records, in 19/20, Hyperion releases two albums by Mr. Hamelin – one a solo disc and the other with the Takács Quartet. He recently released a disc of Schubert’s Piano Sonata in B-Flat Major and Four Impromptus; a landmark disc of Stravinsky’s The Rite of Spring and Concerto for Two Pianos with Leif Ove Andsnes; Morton Feldman’s For Bunita Marcus; and Medtner’s Piano Concerto No. 2 and Rachmaninov’s Piano Concerto No. 3 with the London Philharmonic Orchestra and Vladimir Jurowski. His impressive Hyperion discography of more than 60 recordings includes concertos and works for solo piano by such composers as Alkan, Godowsky, and Medtner, as well as brilliantly received performances of Brahms, Chopin, Liszt, Schumann, and Shostakovich.
He was honored with the 2014 ECHO Klassik Instrumentalist of Year (Piano) and Disc of the Year by Diapason Magazine and Classica Magazine for his three-disc set of Busoni: Late Piano Music and an album of his own compositions, Hamelin: Études, which received a 2010 Grammy nomination and a first prize from the German Record Critics’ Association.
Mr. Hamelin was a distinguished member of the jury of the 15 th Van Cliburn International Piano Competition in 2017 where each of the 30 competitors in the preliminary round performed Hamelin’s Toccata on L’Homme armé; this was the first time the composer of the commissioned work was also a member of the jury. Mr. Hamelin has composed music throughout his career, with nearly 30 compositions to his name. The majority of those works – including the Études and Toccata on L’Homme armé – are published by Edition Peters.
Mr. Hamelin makes his home in the Boston area with his wife, Cathy Fuller. Born in Montreal, Marc-André Hamelin is the recipient of a lifetime achievement award from the German Record Critics’ Association and has received seven Juno Awards and eleven GRAMMY nominations. He is an Officer of the Order of Canada, a Chevalier de l’Ordre du Québec, and a member of the Royal Society of Canada.
Né dans une famille de musiciens, Tsotne Zedginidze est un descendant de Niko Sulkhanishvili, considéré comme l’un des plus grands compositeurs géorgiens de tous les temps, et d’une célèbre pédagogue, Anastasia Abdushelishvili-Virsaladze (elle eut pour élèves, entre autres, Lev Vlassenko, Elisso Virsaladze et Dimitry Bashkirov).
Dès son plus jeune âge, Tsotne manifeste un grand intérêt pour l’opéra, le ballet et la musique instrumente et vocale. À deux ans, il est capable de reconnaître et de nommer différents instruments. Il commence l’apprentissage du piano à cinq ans auprès de sa grand-mère, Nino Mamradze, elle-même pianiste et professeur. Ses progrès sont alors remarquables : à seulement six ans, il interprète le répertoire élémentaire pour piano et commence à étudier les sonates de Clementi, Scarlatti, Mozart et Beethoven, les Inventions à deux et trois voix de Bach et des pièces de Grieg, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Liszt et Prokofiev. Ses aptitudes extraordinaires en matière de déchiffrage lui permettent d’interpréter nombre de ces œuvres avec justesse dès la première lecture. C’est à ce moment-là qu’il commence à faire preuve d’un intérêt grandissant pour l’opéra, dévorant l’opéra italien ainsi que les œuvres de Wagner et Strauss.
Toujours à six ans, Tsotne Zedginidze débute la composition et découvre la musique des 20e et 21e siècles. Il poursuit son étude de l’opéra en jouant les partitions pour voix de divers opéras au piano, dont Lulu de Berg, Lady Macbeth de Mtsensk de Chostakovitch et Le Château de Barbe-Bleue de Bartók. Compositeur autodidacte, il développe et rend son style plus personnel en expérimentant et en cherchant de nouvelles techniques de composition. Il éprouve toujours un grand intérêt pour l’opéra, et il regarde avec enthousiasme les productions des grandes maisons d’opéra du monde entier.
Tsotne Zedginidze donne son premier récital à Tbilissi, en juin 2019, durant lequel il interprète Berg (la Sonate, op. 1), Bach, Chostakovitch et Janáček, ainsi qu’une sélection de ses propres compositions. Quelques mois plus tard, il se produit au Telavi International Music Festival organisé par Elisso Virsaladze et participe à l’ouverture de la saison de l’Orchestre philharmonique national géorgien, où il interprète le Concerto pour piano n° 2 de Chostakovitch et ses propres œuvres sous la direction de Nikoloz Rachveli. Ce concert est dédié au 30e anniversaire de l’adoption par les Nations Unies de la Convention internationale des droits de l’enfant. En décembre 2019, avec le soutien de la Paata Burchuladze’s Iavnana Foundation, Tsotne donne un récital solo au sein de la Grande salle du conservatoire d’État de Tbilissi.
En juin 2020, Tsotne assure la première de sa pièce The Bells (« Les Cloches ») pour piano, composée pendant le confinement dû à la pandémie de Covid-19 et dédiée à la mémoire de sa mère, Irene Sulkhanishvili.
En septembre 2021, Tsotne crée sa Sonate pour violon et piano aux côtés de Lisa Batiashvili et un duo pour piano avec Sandro Nebieridze au Tsinandali Festival. Il participe au festival international ArtDialog en Suisse, se produit au Musée Rachmaninov de la Villa Senar (en Suisse également) et prend part à des masterclasses de Boris Berezovsky. En novembre 2021 et juin 2022, Tsotne est invité à donner des récitals au Schloss Elmau. Ses concerts sont très appréciés du public, et notamment d’un illustre spectateur, le pianiste Grigory Sokolov, qui dira ceci : « Les compositions de Tsotne s’inscrivent dans le monde monumental de Bach et Brahms. »
En 2022, à l’invitation de Lisa Batiashvili, Tsotne donne un récital solo à l’Audi Sommerkonzerte (à Ingolstadt, en Allemagne), où il assure la première de sa Fantaisie pour piano et orchestre aux côtés de l’Orchestre de chambre géorgien et Nikoloz Rachveli. En juillet 2022, le pianiste fait ses débuts au Verbier Festival, diffusé sur medici.tv. Avec le violoniste Marc Bouchkov, il présente l’ouverture du Verbier Festival sur medici.tv. En outre, medici.tv produit alors une série de conversations en plusieurs épisodes entre Tsotne et Marc Bouchkov (une série intitulée « Rencontrez Tsotne »).
Au cours de la saison 2022-2023, Tsotne Zedginidze se produit à Paris lors d’un concert en l’honneur des 25 ans de la création de la chaîne de télévision Mezzo au Cirque d’Hiver. Il est également invité par Lahav Shani à prendre part aux répétitions de la Symphonie n° 2 de Mahler à Rotterdam. De plus, il se produit au Festival Kissinger Sommerfest et participe au concert donné à la Wiener Konzerthaus par la Lisa Batiashvili Foundation. Durant l’été 2023, il donne un récital solo au Schloss Elmau et un concert de musique de chambre avec le célèbre violoniste Marc Bouchkov. Il donne également des récitals au Verbier Festival 2023 et au Tsinandali Festival 2023, deux événements diffusés sur medici.tv.
Pour la saison 2023-2024, Tsotne est invité à jouer à Bruxelles, Munich, Berlin et au Schloss Elmau. Entre autres œuvres, il interprètera le Concerto pour piano de Schoenberg avec le Bayerisches Landesjugendorchester (Orchestre des jeunes de Bavière) et Sir Simon Rattle.
Depuis 2021, Tsotne Zedginidze peut compter sur l’appui de la Lisa Batiashvili Foundation : il participe à divers concerts de la fondation et bénéficie d’un soutien matériel dans ses études. En décembre 2020, octobre 2021 et mai 2023, avec l’aide de la fondation, Tsotne se rend à Berlin pour assister à des master classes dispensées par maestro Daniel Barenboim et Jörg Widmann. En outre, en avril 2023, il se rend à Londres pour jouer aux côtés des chefs Alfred Brendel et Antonio Pappano.
Tsotne continue d’étudier auprès de sa grand-mère, Nino Mamradze. Il a également reçu plusieurs leçons en ligne de Rena Shereshevskaya, qui enseigne à l’École normale de Musique de Paris Alfred Cortot.
Le compositeur géorgien Giya Kancheli a eu ces mots : « Des musiciens aussi phénoménaux que Tsotne, il n’en naît qu’un par siècle ». La pianiste Elisso Virsaladze a commenté : « De ma vie, je n’ai jamais rencontré quelqu’un d’aussi remarquable que cet enfant ». Lors d’une interview, le chef et compositeur Nikoloz Rachveli a cité Daniel Barenboim lui-même à propos de Tsotne : « Mozart est de retour en Allemagne, depuis la Géorgie. »