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Karol Beffa est un compositeur, pianiste et musicologue franco-suisse. Ancien enfant acteur, il a ensuite étudié à l’École Normale Supérieure et au Conservatoire de Paris, obtenant les plus hautes distinctions dans plusieurs disciplines. Docteur en musicologie, il enseigne à l’ENS. Son catalogue compte plus de 100 oeuvres – musique de concert, musiques de films, opéras, ballets – interprétées par de grands orchestres comme le London Symphony Orchestra ou l’Orchestre National de France. Son style alterne textures lyriques (« clouds ») et énergie rythmique (« clocks »), avec de fréquentes références à des compositeurs ou oeuvres du passé. Il improvise aussi en concert, sur films muets ou à partir de thèmes proposés par le public, et collabore avec des comédiens, auteurs et artistes visuels. Il a reçu de nombreux prix, dont deux Victoires de la Musique Classique et le Grand Prix SACEM.
Le clarinettiste britannique Mebrakh Haughton-Johnson se distingue par son jeu expressif et une grande vitalité artistique. En tant que soliste, il s’est produit au Wigmore Hall, au Petworth Festival, au Metropolitan Museum of Art, au Lichfield Festival, et a fait ses débuts en concerto aux États-Unis avec le Springfield Symphony Orchestra dans la Jazz Suite de David Baker. Passionné de musique de chambre et d’orchestre, il a tourné à l’international avec Chineke! et s’est produit aux festivals d’Adélaïde et d’Édimbourg. Il a collaboré avec Anthony McGill à New York, joué avec l’orchestre du Juilliard School au Carnegie Hall, accompagné Barry Manilow au Radio City Music Hall, joué avec le Britten Sinfonia à l’Opéra Royal de Londres et participé aux BBC Proms. Présent également à l’écran et dans la mode, Mebrakh a figuré dans Downton Abbey: A New Era et posé pour Bedford Way. Il est diplômé du Juilliard School et du Royal College of Music de Londres.
Le pianiste italien Giuseppe Guarrera est le lauréat 2024 du prestigieux Prix Beethoven au Concours International de Piano de Cleveland. Salué pour son expressivité remarquable et sa virtuosité technique par Scherzo, Guarrera s’est produit en soliste et en musique de chambre dans certains des lieux les plus réputés d’Europe, notamment Wigmore Hall à Londres, le Pierre Boulez Saal à Berlin et la Fondation Scherzo à Madrid. Il a également participé à des festivals et salles prestigieux tels que le Festival de musique de chambre de Jérusalem, le Klavierfestival Ruhr, le Musikverein de Vienne, la Philharmonie de Luxembourg et le Concertgebouw d’Amsterdam, ainsi qu’à une importante tournée en Chine.
Parmi ses distinctions, Guarrera a reçu le Tabor Award Piano lors de l’Académie du Festival de Verbier en 2018 et a été nommé Rising Star au Klavierfestival Ruhr en 2019. Il a perfectionné son art à la Barenboim-Said Akademie sous la direction de Nelson Goerner, après des études en Italie avec Siavush Gadjiev et Giuseppe Cultrera, puis à Berlin auprès d’Eldar Nebolsin.
Née à Bolzano, elle est diplômée du Conservatoire « Claudio Monteverdi » de sa ville dans les disciplines du chant et du piano, avant de se perfectionner à l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia à Rome et à l’Accademia Chigiana de Sienne. Elle fait ses débuts au Festival dei Due Mondi de Spoleto dans le rôle-titre de Signor Bruschino de Rossini, puis au Teatro alla Scala dans le rôle de Pierotto dans Linda di Chamounix, sous la direction de Gianandrea Gavazzeni.
Il s’est produit sur les plus grandes scènes lyriques du monde, parmi lesquelles le Teatro alla Scala, le Covent Garden, l’Opéra de Paris, le Teatro Real de Madrid, l’Opernhaus de Zurich, la Lyric Opera de Chicago, la Bayerische Staatsoper de Munich, le Liceu de Barcelone, le Maggio Musicale Fiorentino, le Teatro dell’Opera de Rome, La Fenice de Venise, le Teatro Regio de Turin, le Teatro San Carlo de Naples, le Teatro Massimo de Palerme, ainsi que dans des festivals prestigieux tels que ceux de Bregenz, Édimbourg, Spoleto, Wiesbaden et Dresde.
Au cours de sa carrière, il a collaboré avec de grands chefs d’orchestre, parmi lesquels Bruno Bartoletti, Gabriele Ferro, Gianandrea Gavazzeni, Carlo Maria Giulini, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Georges Prêtre et Mstislav Rostropovitch.
Il a fait partie du Piccolo Teatro “Collegium Musicum Italicum” de Rome avec le célèbre ensemble des “Virtuosi di Roma”, se produisant en tant que soliste lors de nombreuses tournées aux États-Unis, au Canada, au Japon, en Espagne, en Russie, avec un répertoire couvrant les œuvres des XVIIIe et XIXe siècles.
Parmi ses plus grands succès, on peut citer ses interprétations de Cavalleria Rusticana et Les Troyens au Teatro alla Scala, Falstaff au Maggio Musicale Fiorentino sous la direction de Zubin Mehta, à l’Opéra de Francfort, au Teatro Regio de Turin, à l’Opéra National de Lyon, à l’Opéra de Nantes et au Teatro Filarmonico de Vérone ; Andrea Chénier au ROH Covent Garden de Londres et à la Bayerische Staatsoper de Munich ; Cavalleria Rusticana à Covent Garden, à l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia et à l’Opéra National de Paris ; Andrea Chénier au Théâtre des Champs-Élysées à Paris et à l’Opéra de Francfort ; Gianni Schicchi et The Turn of the Screw au Teatro Real de Madrid ; Il Tabarro à l’Arena de Vérone et au Liceu de Barcelone ; Eugène Onéguine et Le Retour d’Ulysse dans sa patrie à la Bayerische Staatsoper ; Saül et Le Nez à l’Opéra de Rome ; Le Retour d’Ulysse dans sa patrie à Anvers et à Zurich ; Le Vaisseau fantôme (Der fliegende Holländer) au Teatro San Carlo de Naples.
Durant les saisons 2018 à 2020, on peut noter Andrea Chénier à la Deutsche Oper de Berlin et à la Bayerische Staatsoper de Munich, Cavalleria Rusticana au Maggio Musicale Fiorentino et au Teatro San Carlo de Naples, Lakmé au Royal Opera House de Mascate.
Il ouvre la saison 2020 avec Cavalleria Rusticana à l’Opéra Néerlandais d’Amsterdam et au Liceu de Barcelone. Il chante ensuite Il Trittico au Théâtre Royal de la Monnaie à Bruxelles ; Cavalleria Rusticana au ROH Covent Garden ; Siberia au Teatro Real de Madrid. En 2023, il commence avec Eugène Onéguine à l’Opéra de Francfort, suivi de Il Ritorno di Ulisse in Patria à Genève, Andrea Chénier à la Scala de Milan, Madama Butterfly à l’Arena de Vérone, Eugène Onéguine au Liceu de Barcelone. Il ouvre la saison 2023-24 avec Cavalleria Rusticana au ROH Covent Garden, à l’Opéra de Monte Carlo et à la Scala de Milan, puis revient au ROH pour Andrea Chénier, et se produit à Turin avec Il Trittico au Teatro Regio.
Parmi ses engagements à venir, d’ici à 2026 : Les Dialogues des Carmélites et Eugène Onéguine à l’Opéra de Francfort, à la Bayerische Staatsoper et au Teatro Real de Madrid, Lakmé au Teatro Real, Jenůfa au ROH Covent Garden, Il Trittico au Palau de la Música Reina Sofía de Valence, entre autres.
Parmi sa riche discographie (RCA, Cynus, ERI), on peut mentionner Il Flaminio (Giustina) de Pergolèse (Fonit Cetra), Gianni Schicchi et Suor Angelica de Puccini sous la direction d’Antonio Pappano (EMI).
Chanteuse d’opéra et d’oratorio, elle incarne un héritage mêlant les racines russes des montagnes de l’Oural, à Mednogorsk, et la plaine d’Ukraine, à Melitopol, ville jumelée avec Melito di Napoli, en Italie.
Elle a étudié le chant, le piano et l’accordéon. Son parcours artistique s’est principalement développé en Europe, et plus particulièrement en Italie, pays dont elle est devenue Italienne de cœur.
Amoureuse de l’Italie, elle y réside désormais et y mène des actions de promotion de la musique lyrique et de la culture en général.
Elle est lauréate de nombreux concours, prix et distinctions nationaux et internationaux :
Ekaterina Bakanova est invitée régulière des plus grands opéras internationaux et collabore avec les chefs d’orchestre les plus prestigieux.
Elle a noué une collaboration fructueuse avec l’Orchestre Symphonique National de la RAI, et s’est produite à plusieurs reprises avec les Maestros Fabio Luisi, Steven Mercurio et Juraj Valčuha, ainsi qu’avec l’Ensemble Matheus sous la direction de Jean-Christophe Spinosi, et aux côtés de Plácido Domingo, Myung-Whun Chung, Dan Ettinger, Daniele Rustioni, Nello Santi, Daniele Callegari.
Elle a participé à des productions de metteurs en scène renommés tels que Mario Martone, Franco Zeffirelli, Achim Freyer, Calixto Bieito, Robert Carsen, Henning Brockhaus, Richard Eyre, Hugo de Ana, Renaud Doucet, Andrea de Rosa.
Après ses débuts très remarqués à la Royal Opera House de Londres dans le rôle de Violetta Valéry, la critique a salué la finesse de son interprétation. Depuis, elle est invitée sur les scènes les plus prestigieuses : Staatsoper de Dresde, Arena di Verona, Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelone, Royal Opera de Versailles, Israeli Opera à Tel-Aviv, Opernhaus de Zurich, NCPA de Pékin, et bien d’autres.
Johanna Vaude est une artiste pluridisciplinaire, dont l’univers cinématographique et musical se déploie comme une quête perpétuelle de poésie et d’innovations. Ses œuvres, souvent qualifiées de rageuses, poétiques et intenses, explorent les frontières mouvantes entre les genres, fusionnant le visuel et le sonore dans une alchimie narrative unique.
Ses premières projections dans des institutions culturelles et des festivals de courts-métrages ont rapidement attiré l’attention du publique et des critiques, qui ont salué son audace, sa maîtrise des techniques et son art très personnel (focus de son oeuvre au MK2 Beaubourg, Côté Court de Pantin, Forum des images, Commune Image, Cinémathèque Française, Collège des Bernardins, Festival Silhouette, Cabaret Vert,…)
La chaîne Arte consacre un portrait de l’artiste dans son magazine Court-Circuit. S’ensuit l’édition du DVD monographique Hybride par le label Lowave avec le soutien du CNC. Cette notion d’hybridation artistique – une théorie qu’elle définit par les concepts de « Greffe, fusion, hérédité », réflexion sur la relation entre art et science, publiée par la revue scientifique Corps (lire) et étude sur les usages plastiques et techniques de l’image, lui vaut une carte blanche pour des programmations d’avant-garde à la Cinémathèque Française (lire).
Depuis plusieurs années, elle est une invitée régulière de l’émission Blow Up sur Arte tv, qui lui laisse carte blanche pour réaliser, sous forme de montage et de musique, des vidéos en hommage au 7ème Art. Parmi elles, plusieurs ont été remarquées : interviews sur France Culture, plateau média à la Gaîté Lyrique, projection au Ministère des Finances et de l’économie, relayé par le média Nowness comme Super-Edit, articles sur Première, Konbini, Télé Star et Les Inrockuptibles (Tomber amoureux de Scarlett Johansson en 5 minutes /// Cadavre Exquis).
Elle reçoit le Prix Label Image par les Passeurs de Lumière à la SCAM, la consacrant comme « Alchimiste de l’image ».
Des extraits de films de Johanna Vaude sont intégrés à deux installations conceptualisée par l’artiste Dominique Gonzalez-Foerster : L’œil sauvage pour TH.2058 à la Tate Modern de Londres, et Hypnotic pour l’événement Evento à Bordeaux. Sa vidéo I’m more than a machine, fait partie de l’exposition Electro à la Philharmonie de Paris, qui se poursuit au Design Museum de Londres et au Kunstpalast de Düsseldorf.
La plateforme de streaming medici tv, spécialisée dans la musique classique et le jazz, lui donne carte blanche pour une vidéo musicale en hommage au monde de la musique et rappeler l’importance de la culture : « Art is a garanty of sanity ».
Télérama sélectionne Samouraï sur sa plateforme, lui donnant 3 TTT puis 4 TTTT pour signifier leur enthousiasme : « Un montage frénétique autour de l’art du samouraï nous entraine dans la spirale poétique d’une artiste rageuse. »
D’autres médias expriment aussi leur exaltation : Best video Essay 2022 sur Sight and Sound pour Conforme et Au Cinéma !, Best vidéo Essay 2023 sur British Film Institut pour Searching for Incognita et Mind Autopsy.
Sasha Rozhdestvensky est considéré comme l’un des plus grands violonistes russes contemporains. Yehudi Menuhin l’a qualifié de « l’un des violonistes les plus talentueux et raffinés de sa génération ».
Il s’est produit sur les scènes internationales avec de prestigieuses formations telles que le Bayerische Staatsorchester, le Boston Symphony Orchestra, le Chamber Orchestra of Europe, l’Orchestre philharmonique d’Israël, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, le London Symphony Orchestra, le Royal Philharmonic Orchestra, l’Orchestre de La Scala, le Mariinsky Orchestra, les orchestres philharmoniques de Moscou et de Saint-Pétersbourg, le Tonhalle Orchester Zurich, le Sydney Symphony Orchestra, le Yomiuri Nippon Symphony Orchestra, entre autres.
Parmi les chefs avec lesquels il a collaboré figurent Vladimir Ashkenazy, Andrey Boreyko, Jean-Claude Casadesus, Valery Gergiev, Theodor Guschlbauer, Vernon Handley, Vladimir Jurowski, Valery Polyansky, Gennady Rozhdestvensky, Yuri Simonov, Giuseppe Sinopoli, Gerard Schwarz, Christopher Warren-Green…
Sasha a enregistré notamment le Concerto Grosso n°6 d’Alfred Schnittke avec le Royal Stockholm Philharmonic (Chandos). Il a créé cette œuvre, écrite pour lui et Viktoria Postnikova. Il a ensuite enregistré le Concerto pour violon n°1 de Chostakovitch et celui de Glazounov avec Gennady Rozhdestvensky et le State Symphony Capella of Russia (Nimbus). Il a également gravé l’intégrale des œuvres pour violon et piano de Tchaïkovski avec Josiane Marfurt, comprenant la première mondiale de Oh, chante encore (Delos), ainsi que l’intégrale de la musique de chambre pour violon de Ravel avec Josiane Marfurt (Praga Digitals), un enregistrement qui a reçu un Choc de Classica. Il a également enregistré l’intégrale des œuvres pour violon et piano de Chostakovitch avec Jeremy Menuhin pour FHR (Royaume-Uni), des sonates de Miaskovski, Chebaline et Nechaev en première mondiale avec Viktoria Postnikova, et plus récemment, une première mondiale du Deuxième Concerto pour violon de John Mayer avec le BBC National Orchestra of Wales, sous la direction de Debashish Chaudhuri.
Sasha Rozhdestvensky s’est produit dans de nombreux festivals prestigieux tels que les BBC Proms, Tanglewood, Schleswig-Holstein, Gstaad, Colmar, Ravinia, Florida, Lockenhaus, Montreux, Rheingau… Il a joué dans des salles renommées comme le Carnegie Hall, le Royal Albert Hall, le Barbican et les Festival Halls de Londres, le Concertgebouw, la Philharmonie de Berlin, le Suntory Hall à Tokyo, la Salle Pleyel et le Théâtre du Châtelet à Paris, le Mann Auditorium à Tel-Aviv, ou encore la Scala de Milan.
Il a partagé la scène en musique de chambre avec Marc Coppey, Gary Hoffman, Steven Isserlis, Josiane Marfurt, Jeremy Menuhin, Kun Woo Paik, Michel Portal, Viktoria Postnikova, Michael Rudy.
Son engagement en faveur de la musique contemporaine est marqué par ses liens étroits avec de grands compositeurs comme Alfred Schnittke, Sofia Goubaïdoulina, Guiya Kancheli, Arvo Pärt ou Ian Venables.
Il consacre également du temps à l’interprétation de la musique traditionnelle d’Amérique latine, notamment avec le groupe instrumental Ambar, dont les enregistrements incluent El Diablo Suelto (Delos) et O voo da mosca (FHR). Récemment, le groupe a créé un concerto pour violon composé pour Sasha par Francisco Gonzalez avec l’Orchestre national de Colombie.
Sasha a étudié à l’école centrale de musique de Moscou, au Conservatoire de Moscou, au Conservatoire de Paris et au Royal College of Music de Londres.
Il est aujourd’hui professeur au Royal College of Music de Londres et à la Haute école de musique de Genève.
Annie Dutoit-Argerich est née en Suisse. Elle a étudié le latin et le grec et obtenu un baccalauréat en littérature comparée de l’Université de Princeton. Elle a ensuite obtenu une maîtrise en journalisme de l’Université de New York et un doctorat en philologie française et romane de l’Université de Columbia. Tout en poursuivant sa carrière universitaire, Annie s’est découverte une passion pour l’art performatif et travaille depuis comme actrice et récitatrice. Elle a interprété des œuvres de Milhaud, Liszt, Stravinsky, Cage, Prokofiev intégrant texte, performance et musique dans des salles internationales. Un enregistrement du Carnaval des Animaux de Saint-Saëns sur un texte de Francis Blanche, avec Antonio Pappano et Martha Argerich a été édité en septembre 2017 par Warner Classics. En juin 2019, elle a interprété le rôle du narrateur et du soldat dans « Les aventures de Histoire du soldat » de Michel Van Zele sous la direction de Charles Dutoit. Elle se produit en français, anglais et espagnol. Annie Dutoit-Argerich est l’hôte d’une nouvelle série produite par Arte ZDF et des productions BelAir intitulées « Concert privé ». Le premier épisode présentera Daniel Barenboim.
Le pianiste suisse Lionel Monnet obtient en 2003 une virtuosité avec « Distinction » dans la classe de Christian Favre à la Haute École de Musique de Lausanne. Il poursuit sa formation auprès de son mentor Abdel Rahman El Bacha à Paris. Il a également travaillé auprès de Manahem Pressler du « Beaux-Arts Trio de New York » et du Trio Wanderer de Paris.
Depuis 1999, il est le pianiste du Trio Nota Bene avec lequel il continue de se produire régulièrement sur la scène suisse et internationale.
Lionel Monnet remporte le 1er Prix du Concours International de Musique de Rotterdam, décroche le 1er Prix à l’unanimité du jury au 28ème Concours pour Trio Instrumental – Prix Géraldine Whittaker à Neuchâtel, se distingue en remportant le Prix Philippe Chaignat récompensant la qualité de sa prestation lors des Sommets Musicaux de Gstaad et s’adjuge le Prix du Public à l’édition 2009 du Prix Zulawski-Ville de Chamonix.
Lionel Monnet se produit sur la scène internationale en passant par le Festival International de Sion, le Concertgebouw d’Amsterdam, la Roque d’Anthéron, les Folles Journées de Nantes, Le Festival de Lubiana, Le Festival de Castres, Le Zermatt Music Festival, la Tonhalle de Zürich, le Festival de Bodrum, le Festival de Lubiana, le Zermatt Festival, le Jerusalem Music Center, le Museum de Tel Aviv, le Festival de Nice et en soliste avec l’Orchestre de Chambre de Lausanne, avec le KammerOrchester de Zürich, avec l’Orchestre des Concerts Européens.
Lionel Monnet se produit avec des artistes de renom tels que Tibor Varga, Renaud Capuçon, Svetlin Roussev, Fabio di Càsola, Malin Hartelius, Rachel Harnisch, Christoph Schiller, Shlomo Mintz, Nobuko Imai, Gérard Caussé, Pierre Amoyal, Ilya Gringolts, Blythe Teh Engström, Ophélie Gaillard, Svetlana Makarova, Quatuor Terpsycordes, Quatuor Sine Nomine, Edgar Moreau, Michel Dalberto, Brigitte Engerer, Fabio di Casola, Dany Bonvin ou encore Shmuel Ashkenasi.
Lionel Monnet est soutenu par la fondation Irène Dénéréaz, par le compositeur Henri Dutilleux et la « Swiss Global Artistic Foundation ».
Depuis 2011, il est professeur de piano au Conservatoire cantonal de musique du Valais. En juillet 2016, il est nommé professeur de piano et de musique de chambre à l’Académie internationale de Biarritz, Côte basque.
En janvier 2017, il est invité pour une tournée américaine au festival de New York, Philadelphie, Princeton… Cette même année, il est également jury de piano du Concours de « Musique Riviera » à Vevey.
Il est le pianiste du « Quinteto del Fuego » spécialisé dans la musique d’Astor Piazzolla.
Il est fondateur et directeur artistique de la salle de concert et du studio d’enregistrement « l’Espace Consonance » de Saxon en Suisse.
Lionel Monnet est représenté par les labels de disques suisse « Claves » et américain « Naxos ».
Loris Mittaz passe son enfance dans les montagnes valaisannes, à Chermignon. À l’âge de 8 ans, il apprend qu’une maladie va lui faire perdre la vue progressivement. Son handicap le contraindra à renoncer à plusieurs de ses activités favorites.
C’est alors qu’il se passionne pour la musique et le piano. Il se découvre une affinité spéciale avec cet instrument qui devient un moyen de transcender les obstacles, une source inépuisable de résilience et de créativité.
Son parcours, tout autant que sa musique, est une ode à la persévérance, une invitation chaleureuse à rencontrer son public dans une expérience authentique et bouleversante.
De formation classique (EJMA), Loris se produit avec différents projets depuis qu’il a 15 ans. Curieux musicalement, ses projets et collaborations musicales sont variés, allant du rap (Oxmo Puccino, Moodjo) à la musique électronique (Feder, Marieposa), en pensant par le rock psychédélique (The Doors Revival) ou encore la pop (Mia Oud).
Parallèlement, il explore les possibilités de la composition et se lance dans son projet musical personnel. Il est vite repéré et fait ses premiers pas en solo sur de belles scènes (Crans-Montana Classics, Autumn Festival Montreux) dès 2022.
Entre classique, jazz et musique contemporaine, sa musique est un voyage mélodieux, profond et coloré. Loris nous invite à embarquer avec lui, avec l’idée que tout un chacun puisse fermer les yeux et se faire le film de ce qu’il entend.